Nunca se pensó en un buen técnico

Ante la inminente contratación del profesor Reinaldo Rueda para dirigir la selección ecuatoriana de fútbol, muchas han sido las críticas positivas y negativas que se han generado en torno al mando técnico de la tricolor.

Rueda de 53 años de edad, se perfila para dirigir a una de las mejores selecciones sudamericanas en los últimos 10 años. Pero ¿está preparado el profesor Rueda para adquirir este compromiso con un país tan futbolero como el ecuatoriano?

Para los que apoyan y los que se oponen, a continuación mencionamos un poco de la trayectoria del técnico colombiano.

Tomado de Wikipedia.com

El profesor Reinaldo Rueda obtuvo la licenciatura en Educación Física y el título de técnico nacional en Colombia. Su Post grado lo hizo en la universidad de Colonia, Alemania.

Posteriormente se convirtió en instructor de la Escuela Nacional de Entrenadores de Colombia. Además de ser uno de los instructores de fútbol avalados por la Federación Internacional de Fútbol Asociado. Como futbolista; Reinaldo Rueda no participó en primera división, pero jugó en equipos de divisiones inferiores, amateurs y universitarios.

Desde 1994 hasta 1997 Rueda dirigió al equipo vallecaucano de Cortuluá. Cuando asumió, el equipo acababa de ascender, pero en los primeros seis meses, al mando de Humberto Ortiz, no tuvo buenos resultados. Se salvó del descenso en 1994 por diferencia de goles y después hizo campañas de media tabla.

Llegó para el torneo Adecuación de 1997 al Deportivo Cali y terminó de segundo en la Reclasificación, pero no alcanzó a llegar a las finales. Dejó el cargo en septiembre de 1998 y con la base que dejó, el Deportivo Cali fue campeón bajo el mando de José 'Cheché' Hernández.

En el 2002 llegó al Medellín. Con en este equipo, Rueda permaneció cuatro meses en el cargo; (desde mayo hasta septiembre) y lo dejó para tomar las riendas de las selecciones juveniles de Colombia.

Como director técnico; Rueda tuvo la oportunidad de dirigir a la selección de fútbol de Colombia en todas sus categorías: Sub’17, 20, 21, 23.

Dirigió a la selección absoluta desde el 18 de febrero del 2004 hasta su despido a finales del 2005, luego de que la selección Colombia quedase eliminada del Mundial de Alemania 2006. Rueda Rivera dirigió a al combinado cafetero en la Copa de Oro de la CONCACAF 2005 y la Copa América de Perú-2004 donde su equipo ocupó el cuarto puesto. Entre juegos amistosos y oficiales éste entrenador dirigió 40 juegos a la selección 'tricolor' de Colombia.

En el 2006; Reinaldo Rueda fue contactado por la Federación Nacional Autónoma de Fútbol de Honduras para que se hiciera cargo de la selección hondureña rumbo a Sudáfrica 2010. En enero del 2007 el técnico viajó a Miami donde se reunió con el presidente de la Comisión de Selecciones; Rafael Ferrari, para establecer las bases de su contratación. En dicha reunión Rueda Rivera aceptó hacerse cargo del combinado nacional catracho y estampó su firma por cuatro años.

¿Esta trayectoria será suficiente como para que el futuro técnico de la selección ecuatoriana garantice la clasificación al mundial de Brasil 2014?

Dicen que las comparaciones son malas pero el proceso profesional del Técnico Rueda se asemeja en algo al proceso del profesor ecuatoriano Sixto Vizuete. La gran diferencia está en que Rueda si dirigió futbol de primera categoría pero los resultados no fueron exitosos.

Por tanto podemos derivar que la dirigencia de la FEF si bien busca mantener una línea futbolística colombiana, no ha destinado suficiente recurso económico y social para encontrar un técnico de calidad.

Agregandole a esto el estilo de los técnicos colombianos que pasaron por la tri que fueron abismales. Desde el baile del pirulino y el empuje extrafutbolístico de Hernán "Bolillo" Gómez hasta el témpano de hielo y la presición táctica de Luis Fernando Suarez. 

A decir de algunos hondureños, Rueda es un técnico muy defensivo. ¿Eso ofrece el profesor para Ecuador?   

Pero en lo futbolístico ¿hubiese resultado mejor adquirir una filosofía técnica uruguaya, argentina o chilena?

La última carta está bajo la manga de Luis Chiriboga, titular de FEF, que esperemos no se equivoque otra vez.

Lo retro está de moda (Sin City)

El éxtasis de SIN CITY. Una ciudad que atrae a los tipos duros, a los corruptos y los solitarios. Para algunos es un lugar oscuro. Insensible. Para otros es su hogar. Policías corruptos. Mujeres sensuales. Vigilantes desesperados. Muchos quieren vengarse. Otros redimir sus pecados. Y también hay quien espera conseguir un poco de las dos cosas. Un universo de héroes extraños y reticentes que intentan hacer lo correcto en una ciudad que rechaza el bien.

Una creación fabulosa que pasa del comic al cine gracias a los co-directores Frank Miller y Robert Rodríguez, y que cuenta con la colaboración especial del director Quentin Tarantino.

Miller y Rodríguez tomaron las ideas de la historia de SIN CITY directamente de las páginas de un cómic. Y utilizando un formato digital de última tecnología, adaptaron las leyendas urbanas de gamberros, patanes, héroes y mujeres desvergonzadas a la gran pantalla sin perder el marcado estilo del cómic y su ritmo frenético.

El film se desenvuelve en un ambiente hostil con diálogos fuertes, escenografías de temor y sensaciones que le mueven el pensamiento al espectador.

La historia central se centra en Marv, un matón callejero de toda la vida. Cuando Marv acoge en su casa a una diosa de la belleza llamada Goldie, sólo para conservar su cadáver en la cama, peinó la ciudad para vengarse de la pérdida del único amor que había sentido en su corazón.

Otra de las historias es la de Dwight, un investigador privado que se empeña una y otra vez en dejar atrás los problemas a pesar de que no consigue deshacerse de ellos. Después de que muera un policía en el casco antiguo de la ciudad, Dwight no se detiene ante nada para proteger a sus amigos entre las damas de la noche. Y finalmente, está la historia de John Hartigan - el último policía honrado de SIN CITY. Su vida profesional está a punto de terminar. En su último caso trata de salvar a una niña de 11 años de las manos del sádico hijo de un senador... con sorprendentes resultados

Nunca olvidemos lo que somos (Museo del Alabado)

El valor ancestral de la cultura ecuatoriana, si bien es importante para reconocer nuestra identidad, no es precisamente el más importante de los espectáculos culturales a los que se puede acceder. Desde la auto negación de lo que somos es difícil proponer un modo de vida basado en nuestras costumbres y tradiciones autóctonas.

Agregándole a esto la poca importancia que el estado ecuatoriano le da al reconocimiento y difusión de las culturas ancestrales, la empresa privada ha tomado la iniciativa de dar apertura al conocimiento de nuestros ancestros por medio de la escultura precolombina.

La casa del Alabado es un museo privado de arte precolombino en el que algunas reliquias de las culturas Manteña, Tolita, Huancavilca, Valdivia, entre otras se exponen al público que desea empaparse de arte ancestral ecuatoriano.

El trono es una simbología de alto poder en todas las culturas. En las culturas precolombinas ecuatorianas no fue la excepción. El arduo trabajo en piedra empezaba a constituirse en un trabajo artesanal detallado. Es así que el trono ceremonial de la cultura. La simbología del hombre con cuerpo de jaguar, ubicado en la base del trono, le da a la figura una posición de poder frente al conglomerado social.

En la cultura Jama Coaque podemos evidenciar una representación cultural fálica en la que el dominio del hombre empieza a constituirse. El detalle de la escultura sugiere una mayor preparación y sutileza al momento de plasmar en el barro los finos objetos que se encuentran en el hombre.

Una representación parecida a un dragón, sugiere un contacto con culturas provenientes del Asia. La representación de un dragón combinado con animales ancestrales como los mamíferos pequeños que existían en América. El encontrar gran cantidad de mamíferos representaba para los aborígenes ecuatorianos un presagio de abundancia.

Un sol ancestral

En 1940, en un lugar llamado Chunucari, cerca de la ciudad de Sigsig, en los Andes meridionales de Ecuador, unos huaqueros descubrieron una pelota de oro estrujada. La vendieron, intocada, a un individuo local que compraba y vendía antigüedades, y este a su vez a Max Konanz, un coleccionista de Cuenca.

En los meses siguientes, Konanz y su esposa abrieron laboriosamente la pelota que resultó ser la cara grande (ca. de 44 cm. de alto) de un sol de oro, martillado en el estilo provincial Huari-Pachacamac. Por algunos años, Konanz exhibió el sol en su museo privado, y luego vendió su colección al nuevo Museo del Banco Central del Ecuador.

El sol de oro, posiblemente una de las piezas más espectaculares que se conocen de la antigua metalurgia ecuatoriana, se convirtió en el logotipo del Museo y del mismo Banco Central del Ecuador. Sin embargo, en algún momento de esta larga historia, la proveniencia fue cambiada en su ficha de registro de Chunucari a La Tolita, una cultura ubicada en la costa junto a la frontera con Colombia.

El sol de Quito mide 44 cm, tiene 46 rayos, éstos están distribuidos en manojos a cada lado de la cara y en un penacho encima. El sol Chunucari tiene en el pedúnculo del penacho un pequeño diseño de dos figuras de dragón en antítesis. Los rayos del sol terminan en cabezas de serpiente con cabezas de trofeos humanas en su boca, poseen una línea central repujada en zigzag del sol de Chunucari. Tienen la cara delineada en forma de una curiosa T y su boca tiene colmillos.

En otro dato, algunos estudios estilísticos y análisis físiconucleares, realizados por expertos internacionales y locales, permiten concluir que el Sol de oro que es la insignia del Banco Central del Ecuador proviene de la cultura La Tolita, que floreció en el Litoral norte del Ecuador y en la Costa del sur de Colombia, entre el 300 a.C. y 400 d.C.

 

Expresión de la miseria en Sebastião Salgado

Sebastião Salgado es un fotógrafo brasileño nacido en Aimorés, Minas Gerais, en 1944. Recibió en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Salgado pertenece a esos fotógrafo comprometidos con lo social, en la tradición de la fotografía sociodocumental. Trabajó en la administración de la OIC (Organización Internacional del Café), pero en 1973 abandona su carrera para dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotografo comenzó trabajado para la agencia de sede en París Gamma, pero en 1979 se une a Magnum Photos.

En 1994 deja Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París para representar su obra. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza.

Fue nominado representante especial de UNICEF en el año 2001.

En la introducción a "Éxodos" dice: "Mas que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos."

Durante los inicios del año 2000, periodistas del New York Times y la escritora Susan Sontag criticaron las fotografías de Salgado. El fotografo fue acusado de utilizar de manera cínica y comercial la miseria humana, de exponer de manera bella las situaciones dramáticas corriendo el riesgo de hacer perder su autenticidad.

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras américas, Éxodo,.... Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica.En junio de 2007 ha tenido una gran exposición antológica sobre su trabajo en Madrid, dentro de PHotoEspaña. la exposición ha ganado el Premio del Público del Festival.

En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

El trasfondo de los signos

Es interesante interpretar el significado de un mandala. Jugar con la semiótica en el sentido de las convenciones sociales del lenguaje y como una simple figura mantiene un trasfondo cultural legado por generaciones sin necesidad de utilizar el lenguaje verbal.

A continuación una breve reseña de los orígenes de los mandalas. 

Es un término de origen sánscrito, que significa diagramas o representaciones simbólicas bastante complejas, utilizadas tanto en el budismo como en el hinduismo.

Los mandalas son diagramas o representaciones esquemáticas y simbólicas del macrocosmos y el microcosmos, utilizados en el budismo y el hinduismo. Estructuralmente, el espacio sagrado (el centro del universo y soporte de concentración), es generalmente representado como un círculo inscrito dentro de una forma cuadrangular. En la práctica, los yantra hindúes son lineales, mientras que los mándalas budistas son bastante figurativos. A partir de los ejes cardinales se suelen sectorizar las partes o regiones internas del círculo-mandala.

Por otra parte, la mayoría de las culturas posee configuraciones mandálicas o mandaloides, frecuentemente con intención espiritual: la mandorla (almendra) del arte cristiano medieval, ciertos laberintos en el pavimento de las iglesias góticas, los rosetones de vitral en las mismas iglesias; los diagramas de los indios Pueblo, etcétera.

Es muy probable que esta universalidad de las figuras mandálicas se deba al hecho de que las formas concéntricas sugieren una idea de perfección (de equidistancia con respecto a un centro) y de que el perímetro del círculo evoque el eterno retorno de los ciclos de la naturaleza (tal como en la tradición helenística lo proponía, por ejemplo, el uróboros).

A su vez, en los rituales mágicos es frecuente la separación de un espacio sacro respecto de uno profano; para esto, en la tradición del ocultismo occidental, se ha recurrido y recurre a los círculos mágicos; el espacio sacro —o al menos el del ritual— es el inscripto en tales círculos que, de este modo, cumplen funciones análogas a los mándalas orientales.

Esta universalidad de los mándalas hizo que el psiquiatra Carl Gustav Jung los privilegiara como expresiones probables de lo inconsciente colectivo. Para Jung, el centro del mándala figura al sí-mismo (Selbst), que el sujeto intenta lograr perfeccionar en el proceso de individuación.

Golpes que se acaban

La presente historieta refleja un entorno social dominado por la ideología patriarcal.

En este sentido, se puede evidenciar el dominio material del hombre sobre la mujer manifestándose en el arcaico concepto de "conquista amorosa."

El hombre intenta someter a la mujer en su estilo de vida. Pero esta acción da un giro inesperado.

La mujer, gracias a las nuevas tendencisa de liberación, ha construido un mundo equitativo en torno a las tratativas sociales de género.

El hombre le daba golpes...

la vida le daba golpes...

Es hora de cambiar esto.

La vida ha dado vuelta.

Historia de la Historieta

Se llama historieta o cómic a una "serie de dibujos que constituye un relato", "con texto o sin él", así como al medio de comunicación en su conjunto. Partiendo de la concepción de Will Eisner de esta narrativa gráfica como un arte secuencial, Scott McCloud llega a la siguiente definición: «Ilustraciones yuxtapuestas y otras imágenes en secuencia deliberada con el propósito de transmitir información u obtener una respuesta estética del lector». Sin embargo, no todos los teóricos están de acuerdo con esta definición, la más popular en la actualidad, dado que permite la inclusión de la fotonovela y, en cambio, ignora el denominado humor gráfico. Diversas manifestaciones artísticas de la Antigüedad y la Edad Media pueden ajustarse a la definición de cómic dada más arriba: Pinturas murales egipcias o griegas, relieves romanos, vitrales de iglesias, manuscritos iluminados, códices precolombinos, Biblia pauperum, etc. Con la invención de la imprenta (1446) se producen ya aleluyas y con la de la litografía (1789), se inicia la reproducción masiva de dibujos (las imágenes de Épinal, entre ellas).

En la primera mitad del siglo XIX, destacan pioneros como Rodolphe Töpffer, pero será en la prensa como primer medio de comunicación de masas, donde más evolucione la Historieta, primero en Europa y luego en Estados Unidos. Es en este país donde se implanta definitivamente el globo de diálogo, gracias a series mayoritariamente cómicas y de grafismo caricaturesco como The Katzenjammer Kids (1897), Krazy Kat (1911) o Bringing up father (1913). A partir de 1929, empiezan a triunfar la tiras de aventuras de grafismo realista, como Flash Gordon (1934) o Príncipe Valiente (1937). Éstas invadirán Europa a partir de 1934 con Le Journal de Mickey, aunque con resistencias como Tintín (1929) y Le Journal de Spirou (1938), y movimientos originales como el de la novela en imágenes. A partir de este año, sin embargo, las tiras de prensa estadounidenses empezarían a acusar la competencia de los comic-books protagonizados por superhéroes.

Durante la postguerra, las escuelas argentina, franco-belga y japonesa adquieren un gran desarrollo, gracias a figuras como Oesterheld, Franquin y Tezuka, respectivamente. En general puede decirse que "el grueso de la producción norteamericana, para la segunda mitad de los años sesenta, ha bajado de nivel y se halla por debajo de la producción francesa o italiana". Será en ambos países donde se afiance una nueva conciencia del medio, orientándose los nuevos autores (Crepax, Moebius, etc.) hacia un público cada vez menos juvenil. Con ello, y con la competencia de nuevos medios de entretenimiento como la Televisión, el cómic va dejando de ser un medio masivo, salvo en Japón. Precisamente, su historieta conquistará el resto del mundo a partir de 1988, gracias al éxito de sus versiones en dibujos animados. Del mismo modo, las experiencias del cómic underground de los años 60 cristalizan en un sólido movimiento alternativo, ya en los 80, que da lugar a su vez al movimiento de la novela gráfica. Internet también constituye un nuevo factor a tener en cuenta.

Disculpa Quino

Quisiera aclarar que la  historieta pertenece 100% a Joaquin Salvador Lavado "Quino" y que las viñetas añadidas en esta imagen son pequñas referencias de la interpretación personal.

QUINO, Joaquín Salvador Lavado, nace, hijo de inmigrantes españoles, andaluces, en la ciudad de Mendoza (Argentina) el 17 de julio aunque en los registros oficiales conste nacido el 17 de agosto.

Desde que nació se lo llamó Quino para distinguirlo de su tío Joaquín Tejón, pintor y dibujante publicitario con quien a los 3 años descubre su vocación.

1939

Comienza la escuela primaria donde descubre que su verdadero nombre es Joaquín y vive las dificultades de su personaje Felipe: «Me angustiaba tanto que en los primeros tres meses tenía malas notas, pero después terminaba el año con notas altas, aunque nunca era el primer alumno y eso me daba bronca».

1945

Muere su madre, termina la escuela primaria y decide inscribirse en la Escuela de Bellas Artes de Mendoza. Aparece en Buenos Aires la revista "Rico Tipo", dirigida por Divito. Publicar en ella es el sueño de Quino.

1949

«Cansado de dibujar ánforas y yesos» abandona la Escuela de Bellas Artes. Piensa en una sola profesión posible: dibujante de historieta y humor.

1950

Logra vender su primer historieta. "Recuerdo que era para una tienda de sedería y que se llamaba Sedalina, pero prefiero no tratar de pensar cómo era esa publicidad, porque seguramente me avergonzaría"

1951

Quino viaja a Buenos Aires y recorre todas las redacciones de diarios y revistas posibles. Tres semanas más tarde regresa a Mendoza sin haber podido conseguir trabajo.

1954

Se instala en Buenos Aires. Continúa el deambular por las redacciones. «Sufrí mucho porque vivía en condiciones muy precarias. Compartí una pieza de pensión con tres o cuatro tipos». El semanario "Esto es", de Buenos Aires, le publica su primera página de Humor Gráfico que se alterna semanalmente con otro dibujante. «El día que publicaron mi primera página pasé el momento más feliz de mi vida».

A partir de este año fue publicando en diversos medios "Vea y Lea", "Leoplán", "Damas y Damitas", "TV Guía", "Usted", "Che", "Panorama", "Atlántida", "Adán", diario "Democracia", etc. Desde entonces y hasta la fecha sus dibujos de humor se vienen publicando ininterrumpidamente en infinidad de diarios y revistas de América Latina y Europa.

1970

Ediciones De La Flor publica la sexta recopilación de tiras, "Mafalda 6", y desde entonces hasta el presente es la única editora de sus libros en Argentina. En España, Editorial Lumen lanza el primer libro de Mafalda y la censura del gobierno franquista obliga a los editores a ponerle una franja en la tapa que dice «para adultos». También en Portugal se edita Mafalda bajo el sello Dom Quixote. Primer libro de humor gráfico en el extranjero: en Italia, Editorial Bompiani edita "Mondo Quino".

2002


Septiembre: es invitado a exponer su obra de humor gráfico y Mafalda en el "21ème Salon Interncional de la Caricature, du Dessin de Presse et d'Humour" de Saint Just le Martel del 27 de septiembre al 6 de octubre.

Noviembre: el IILA (Instituto Italo-Latino Americano) y la Embajada de la República Argentina organizan en Roma una exposición de Quino "Il Padre di Mafalda ha altri figli" en la Scuderie del Palazzo Santacroce, del 21 de noviembre al 21 de diciembre.

Historias de mujeres

Humor. Mujeres Alteradas es el título de una página de historieta humorística donde, semana a semana, se difunde las peculiaridades del mundo femenino, y  su relación con el entorno, con atención especial a los hombres (ya sean maridos, novios o amantes) y los hijos. Mujeres casadas, solteras, viudas, adolescentes, de 40, 30 o 20 años, feas, guapas, gordas, delgadas, con o sin novio, exitosas en su trabajo o en paro... todas aparecen reflejadas en las viñetas de Maitena.

Mujeres Alteradas se viene publicando semanalmente desde 1993 en Para ti, una tradicional revista femenina argentina, y posteriormente se ha ido publicando también en las páginas de publicaciones de diferentes paises: La Stampa (Italia), El Mercurio (Chile), El País (Uruguay), El Nacional (Venezuela) y, desde 1999, en el suplemento dominical de El País (España).

En España, además, la obra de Maitena también se ha publicado en la revista El Jueves desde finales del 2001, en la que apareció semanalmente una página que recopila varios chistes de su serie de humor gráfico Superadas.

El diablo humano

Hellboy (cuya traducción literal al español sería chico del infierno) es un personaje ficticio creado por Mike Mignola en 1994 para el sello Legends de la editorial de cómic estadounidense Dark Horse. Se han realizado dos películas sobre este personaje, Hellboy en 2004 y Hellboy 2: El ejército dorado en 2008.

Características

Como un demonio con el nombre de Anung Un Rama, Hellboy fue traído a la tierra siendo bebé por nazis ocultistas. Fue rescatado por las fuerzas aliadas y criado por la Agencia de Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) de los Estados Unidos. Hellboy se crió para ser un gran demonio de piel roja, con cola, cuernos (que él descartaría dejando atrás su antigua naturaleza), y una gran mano derecha de piedra roja. Aunque un poco brusco, no muestra ninguna malevolencia intrínseca de demonio, y trabaja con otras criaturas extrañas en el AIDP. Hellboy ha sido apodado como el El Gran Investigador del Mundo de lo Paranormal. El personaje ha sido presentado en una secuencia de cómics mini-serie publicada por Dark Horse Comics, influenciado por clásicos de aventuras de ficción y de horror. Según Mignola para desarrollar los diversos aspectos del carácter y la personalidad del personaje se inspiró en su propio padre, un fabricante de armarios que a menudo regresaba a casa con cuentos horribles acerca de lo que sucedía en el trabajo.

Historia del personaje

La historia de Hellboy es compleja, una amalgama de mitos y folklore, desde la mitología nórdica hasta la griega o rusa incluyendo además muchas referencias a la mitología de Lovecraft.

Hellboy nace de una bola de fuego, a raíz de un experimento nazi, orquestado por Rasputín. En ese experimento, llamado "Ragnarök", el apocalipsis de la mitología nórdica, los nazis tenían puestas todas las esperanzas para conseguir un arma definitiva de carácter sobrenatural, que les garantizara la victoria del Tercer Reich. Los nazis no consiguieron su cometido, pues esa arma definitiva resultó ser un pequeño demonio que cayó en poder de soldados americanos.

Hellboy fue criado por los americanos en bases del ejército donde recibió educación y entrenamiento. Recibió el título de ser humano gracias a las Naciones Unidas, e ingresó posteriormente en la Unidad de Defensa e Investigación Paranormal (en inglés B.P.R.D.), en la que trabajó con Abraham Sapien y la piroquinética Elizabeth "liz" Sherman.

El mundo de Hellboy da un giro después de toparse con su padrino en la serie 'Hellboy: La semilla de Destrucción'. Hellboy conoce su función en la tierra, a Rasputín y al Jahad, "los siete que son uno, los siete dioses del caos", un ser de tentáculos, el caos personificado en un ser primitivo sepultado en capullos de cristal en una dimensión perdida, deseoso de destruir el universo y hacerlo suyo una vez más.

Rasputín casi logra romper la prisión del Dragón usando el poder de Liz Sherman, pero, finalmente, Hellboy destroza a Rasputín. Confuso y aturdido, empieza a darse cuenta de su origen y su terrible deber, ser la bestia del apocalipsis y que su mano es, en realidad, la llave del destino. Un puño de piedra.

Hellboy se topará con vampiros napoleónicos como Giurescu, hijo de la diosa Hécate, reina de las brujas, que se enamora al instante de Hellboy. Éste la acaba destrozando, pero resucita en una dama de hierro de gran antigüedad.

Con cada aventura Hellboy irá conociendo más secretos de su destino, de su familia diabólica, y amigos como Roger el homúnculo, que se une a la Agencia para formar equipo con Abe Sapien y Liz Sherman. Por ahora Hellboy está recorriendo el globo por una crisis existencial para conocerse a sí mismo.

Historia de la Publicación

Hellboy debutó en 1993 en San Diego Comic-Con Comics # 2 (Dark Horse Comics). Escrito y dibujado por Mike Mignola creador, las historias tienen un sabor de aventura sobrenatural con un oscuro humor característico de Mignola. Las historias de Mignola están muy influenciados por, y se han dedicado a, HP Lovecraft, Jack Kirby, Edgar Allan Poe, y otros autores. Historias de terror de la variedad Weird Tales son otra influencia importante. El escritor Robert Bloch alabó Hellboy como uno de los más "innovadores y entretenidos cómics de los últimos años'. Las historias de Hellboy se han basado en el folclore de países como Rusia, Irlanda, Noruega, Japón y Malasia. Más tarde algunas historias han sido elaboradas por creadores distintos de Mignola, incluidos Christopher Golden, Guy Davis, Ryan Sook, y Duncan Fegredo. Golden también ha escrito varias novelas sobre el personaje.

Rescatando nuestra cultura

ARQUETIPOS DE LA ESPACIALIDAD

Intihuatana o Yata Pajtá

Lugar de descanso del sol

Nuestros ancestros consideraban que el Itchimbía, el Panecillo, San Juan y la Cima de la Libertad eran lomas sagradas.

Cuenta la historia, que en el Itchimbía Yata Pajtá (para los Quitu-Caras) o Intihuatana (para los Incas) que era un centro ceremonial de íntima relación con los cosmos.

Además, fue un observatorio astronómico que permitía conocer con precisión los fenómenos cósmicos, y determinar los períodos más adecuados para la preparación del terreno, siembra, cosecha y recuperación de suelos.

Para las antiguas culturas andinas el Intihuatana era un lugar de descanso del sol, un espacio sagrado donde se “amarraba al sol”, para que este siga otorgando permanentemente luz y energía.

• Elemento sagrado que representa el todo, el origen, la unidad y el infinito.

• Simboliza la materialización de espacio-tiempo con sus cuatro direcciones

• Significa la dualidad y la complementariedad macho-hembra, vertical-horizontal, arriba-abajo

• Representa la cuatripartición del tiempo-espacio el Tawa inti suyu. Las cuatro regiones o suyus del mundo terrenal: Chinchay, Anty, Cunty y Qolla.

• Simboliza la ciclicidad creciente del tiempo: antes, ahora y después, Caina-Cunan-Caya

• Representación de la semilla sagrada. el origen de todo lo creado como interrelación de los mundos Caina-Cunan-Caya

• Integración del todo y la parte, de lo finito e infinito, de lo limitado y lo no limitado, de lo estático y lo dinámico.

• Ejes de los solsticios y equinoccios, llamados seques de la pachamama (la tierra)

• El sol o estrella Quitu-Cara es el símbolo sagrado que sintetiza la cosmovisión de los habitantes de Quito, la mitad del mundo

Imágenes desde la Teoría

Roman Gubern

La obra de Gubern se sitúa en tres planos bien definidos. Las contribuciones a la historiografía del cine, con una importancia especial en lo que se refiere al cine español; sus trabajos sobre el lenguaje del cómic, y textos centrales en los que analiza la imagen en nuestro tiempo, el cambio tecnológico y la reubicación social del individuo y la cultura en el nuevo escenario.

También hace reflexiones filosóficas sobre la evolución de la conducta del primate humano desde los orígenes remotos de la hominización a la sociedad postindustrial. Para Gubern, el hombre ha sido, en efecto, el único animal capaz de construir y organizar intencionalmente y generar un entorno tecno-cultural de gran complejidad, del cual hoy depende para sobrevivir. Aunque en este diseño del entorno tecno-cultural no ha previsto todas las consecuencias que para la especie puede derivarse de la interacción mutua. Otro de los temas que analiza son las implicaciones emocionales y afectivas de los nuevos medios en las formas de vida, como la expansión de la pornografía, los arquetipos eróticos, los usos amorosos del correo electrónico y los ensueños eróticos de la imagen digital; en definitiva, el cibersexo.

Umberto Eco

Umberto Eco trata la estructura perceptiva análoga entre el icono y el objeto, por ende la imagen para ser interpretada ha de tener una cierta identificación visual con su referente, pero, al mismo tiempo, tiene que estar sometida a un código, que le otorgue el carácter de imagen convencional. Existen diferentes códigos para la representación icónica, es decir, códigos culturales socialmente aprendidos; no tan estrictos como los lenguajes de disciplinas. Son más difusos y a la vez establecen las características adecuadas para la representación icónica. Una cultura establece las características pertinentes para que la imagen representada pueda ser percibida como diferenciada de otra mediante una serie de convenciones. Así, a la hora de representar algo no reproduciremos todas las características, sino los artilugios gráficos que se le atribuyen (por ejemplo, el artilugio gráfico pertinente de una cebra son las rayas). Son códigos de reconocimiento que identifican características pertinentes y caracterizadoras del contenido.

La semiótica pretende demostrar que, hay sistemas constantes que permanecen ocultos.

La estructura es un modelo construido en virtud de operaciones simplificadoras que permiten unificar diversos bajo un único punto de vista. Las unidades de análisis del mensaje pueden ser todo el mensaje de cualquier medio y las denotaciones de la imagen surgen de la descripción de aquellos objetos o personas que están presentes. Las connotaciones son las ideas que surgen a partir de lo observado.

Roland Barthes

Este autor se basa en La Moda, los Idiolectos: que es el lenguaje de una comunidad, a su vez habla de los elementos de la legua: Lengua y Habla.

El habla es el acto individual de selección y actualización; la lengua es un contrato social que no se puede crearla ni modificarla, el significado, no es una cosa, si no la representación psíquica de una cosa y el significante es la imagen acústica.

Barthes dice que la semiótica estudia el modo de organización de un objeto.

1.- Mensaje lingüístico o literal: Está presente en todas las imágenes. De aquí se derivan:

a) Anclaje: el mensaje lingüístico que hace el observador.

b) Relevo: El mensaje que releva el lector la necesidad de elegir ciertos significados.

2.- Mensaje denotado o denominativo: La composición o enunciación de los elementos.

3.- Mensaje connotado: Contienen todos los significados posibles del contenido.

Este tipo de lenguaje, que estudia Roland Barthes se da principalmente en la publicidad impresa por ejemplo, el de alka selsert en el que en el lenguaje literario habla acerca del malestar estomacal y en el lenguaje donde se encuentra el mensaje connotado se ve un vaso con agua y las dos pastillas efervescentes que hacen que quien está observando el anuncio sienta que ese medicamento le va a causar una sensación de bienestar en el estomago.

La magia del slide

Estas son las secuencias de las imágenes utilizadas en la Historieta de Méndez, la cabra de la sabiduría.

Sugeriría que se lea la historieta para poder entender las secuencias de las  imágenes.